Revista Argentina de Humanidades y Ciencias Sociales
ISSN 1669-1555

Volumen 13, nº 2 (2015)

por Rogelio García Díaz

Universidad Intercontinental
aguila_roge@hotmail.com

El texto busca sumergirse en el amplio mundo de la fotografía a través sus inicios, precursores y categorías, así como sus elementos básicos y aplicaciones en la vida moderna por medio de cuatro análisis centrales. Se abordan conceptos como los inicios de la fotografía, la ética en la fotografía, fotografía documental y cinefotografía.

You press the button, one century of history will do the rest…

This essay is looking forward to dive in the wide world of photography through its beginnings, forerunners and categories, as well as its basic elements and applications in our modern life through four basic analysis. Topics such as the beginnings of photography, ethics in photography, documentary photography and cinematography

© Photography collection, Harry Ransom Center.

Primer análisis. El comienzo

Como todo arte la fotografía surge de una necesidad. La “descripción de la luz” no se hizo presente en el siglo XIX con los daguerrotipos, mucho menos en 1888 con los avances instantáneos de Kodak; la fotografía toma protagonismo en el año 384 A.C porque surge de una necesidad mágica. Una necesidad pasional, un arte que surge por la necesidad de hacer más arte. El concepto de la perspectiva en el dibujo, uno de los elementos técnicos más difíciles de construir, fue evolucionando gracias a la cámara obscura, donde por un simple agujero se reflejaban las siluetas de la cabeza de aquellos que estaban reflejando. Pintores como Da Vinci, Giovanni Canaletto, entre otros, utilizaron esta técnica para perfeccionar el trazado y brindar un mayor realismo a la ilustración. Sin embargo, esta técnica no se vio con los mismos ojos de trascendencia con que los Joseph-Nicéphore Niépce la vio, cambiando, o más bien iniciando, el rumbo de la fotografía. Con una exposición de 8 horas y con una lámina de peltre, el francés Joseph-Nicéphore Niépce plasmó “Vista desde la ventana en Le Gras”, iniciando así el conocimiento del procedimiento básico de revelado de fotografías. Sin embargo, éstas técnicas carecían de obturadores rápidos. Recordemos que una de las características que hacen de la fotografía un arte es capturar el momento, dichos momentos ocurren en un parpadeo y se requiere de obturadores de cuando menos 1/250 de velocidad para “congelar” un momento en movimiento. La rapidez del obturador fue una técnica que mejoró el inglés Eadweard Muybridge gracias a una apuesta. En 1872 Leland Stanford, quien sería más tarde el fundador de la Universidad de Stanford, contrató a Muybridge para que, a través de su cámara, fuera posible detectar si existía un momento en el que el caballo quedaba suspendido en el aire o nunca dejaba de tocar la tierra. Colocando 16 cámaras en filas con cables disparadores cada uno de los cuales darían lugar a una imagen durante una fracción de segundo. Así, Stanford demostró que tenía razón al decir que en algún momento las cuatro patas del caballo quedaban suspendidas en el aire.

Es el momento y el sentido de pertenencia en una sociedad que iniciaba el camino hacia el capitalismo el que despertó en George Eastman la idea de condicionar una cámara, una “Kodak 100 Vista”para ser exactos, que fuera capaz de funcionar en manos de gente inexperta en el área de la fotografía. Ojos visionarios los de Eastman ya que él inició su negocio vendiendo placas cubiertas de emulsión que con la ayuda de la exposición a la luz y una cámara oscura revelaba fotos. Esas placas las vendía a gran escala y por buen precio, sus principales clientes eran los fotógrafos; en cambio, con la venta de la Kodak 100 Vista, en módicos 25 dólares, cualquier persona tenía acceso a 100 fotografías y si querían recargar la cámara solo había que pagar 10 dólares más y mandarla de nuevo a la empresa para continuar con su uso. “You press the button, we do the rest” (Tu presionas el botón, nosotros hacemos el resto) era el lema de la propaganda que tenía Kodak en ese tiempo, propaganda que para Eastman era esencial tener, convirtiéndose en un elemento que impulsó la venta a gran escala de la cámara fotográfica. George Eastman, además de inventor, era un excelente empresario que veía el trato al cliente, la publicidad y la producción en masa como las características más importantes y básicas para llevar una empresa, demostrando así que la razón y la pasión sí pueden existir en una misma persona y el caballo que impulsa la razón brinda las mismas zancadas que el que impulsa la pasión.

En una de las clases que toméde producción cinematográfica el profesor que en ese momento impartía la clase decía que una regla de oro era que el director no podía hablar con futuros patrocinadores ya que el objetivo principal era convencer al empresario en invertir dinero en la producción, a cambio de que su producto estuviera a cuadro por algunos segundos. Un director no tendráel mismo vocabulario persuasivo que tiene un productor aparte de que, tristemente,  al empresario no le importa el planteamiento ideológico de la película, razón suficiente para que un director pierda los estribos. Es por eso que ser un empresario que pueda dominar ambas riendas trae consigo el doble de ventajas.

Para un filósofo como Aristóteles,influyente en la historia de la humanidad, el arte era aquella producción humana y dinámica realizada de manera consciente.

Para poder tejer un lazo entre el arte y la fotografía sería conveniente definir lo que yo entiendo por arte: usando distintos elementos que proporciona la naturaleza y perfecciona el hombre, el ser humano busca plasmar un pedazo de realidad, un sentimiento u opinión de manera estética. V.gr. Una de las formas del carbono es el grafito, un mineral que el hombre usa como lápiz y que con eso puede crear un dibujo que pueda ser considerado como arte. El mineral es adaptado con base a las necesidades del hombre.

Desde el primer instante que el hombre quería retratar, literalmente, un momento de su vida y guardarlo para el futuro estaba realizando arte, por lo tanto, desde los comienzos de la fotografía se conseguía obtener piezas artísticas, pero…¿Por qué es que algunas piezas fotográficas tienen más carga estética que otras? La fotografía tiene el poder de darle a una imagen una carga emocional titánica ya que puede retratar a las personas y los lugares más representativos para cada ser, pero la carga estética estádefinida por ciertos elementos ajenos al comienzo de la fotografía.

Fue en la última década del siglo XIX que el interés por el movimiento en la fotografía provocó en personas como Muybridge la producción de inventos como el zoopraxiscopio, que era un artefacto que proyectaba imágenes situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión para dar la impresión de movimiento y en George Meliès la realización de las primeras películas con el concepto de cámara que los hermanos Lumiere habían creado, empero, la fotografía fija y debido a su sencillez logró un desarrollo volátil y una remembranza de las reglas griegas de la estética como la proporción áurea. Los números de Leonardo Pisano, mejor conocido como Fibonacci, que al plasmarlos en un cuadrado (que es la forma del lienzo de la fotografía) dibujan una espiral resultante (conocida como Espiral de Oro) que está permanentemente presente en la naturaleza: en las semillas de un girasol, en las conchas marinas... Componer una imagen siguiendo ésta espiral nos resulta agradable visualmente porque las proporciones que se obtienen nos parecen naturales y armónicas. Es regla básica de composición tener siempre presente estos cuatro puntos áuricos para darle mayor importancia a los elementos que queremos fotografiar y así poder expresar con mayor facilidad lo que queremos. Para cada tipo de imagen (retrato, paisaje, productos, calle, etc.) existen reglas propias de composición aparte de los puntos áuricos, por ejemplo, para los retratos hay que cumplir con ciertas disposiciones como:

1. No cortar articulaciones.
2. El sujeto debe de ver al espacio.
3. Cuidar que en tu fondo no interfieran personas u objetos que arruinen tu composición.

Para captar con mayor sensibilidad acciones en la calle es conveniente utilizar una distancia focal de 30mm, es decir, un lente ni tan angular ni tan cercano, ya que en la calle te encontrarás con situaciones en constante movimiento y tal vez el encuadre es lo más difícil de lograr.
Para lograr una buena foto de un paisaje es esencial el uso de un trípode o tripiéy la razón es que los elementos que quieres capturar están tanto cerca como lejos, lo que significa que el diafragma debe tener una apertura mayor, ergo, más tiempo de exposición.
Éstos son solo algunas reglas que hay que seguir y como todo arte, la subjetividad va primero, es por eso que muchos fotógrafos agregan más protocolos con base a su criterio de estética y finalmente son esos criterios los que hacen que un fotógrafo encuentre su estilo y cree algo único y original.

Otro elemento muy importante, quizás el más importante, es la luz. Fotografía se deriva de los vocablos de origen griego: phos (luz) y grafé (descripción), lo cual significa describir o dibujar con luz. La luz juega un papel tan importante que:  1.- La ausencia de ella no nos permitiría retratar nada 2.- Cada ángulo de donde provenga una luz nos puede brindar un dramatismo diferente y puede dar un mensaje completamente diferente al que se quiere comunicar.
La manifestación más simple de la luz es la luz natural la cual se divide en cuatro:

•  Luz cálida. Cuando predominan los colores anaranjados (como sería la luz del atardecer). Luz para transmitir comodidad, calidez. Comunicar un estado de confort en el ser humano. Las tonalidades anaranjadas dan la sensación de calor y recordemos que es el calor nuestra temperatura habitual.
•  Luz fría. Cuando el tono predominante es el azulado (propio de los días nublados). Transmite tristeza, melancolía, aflicción y pesadumbre. Ideal para momentos de dramatismo y duelo.
  
  

• Luz suave. Cuando no hay sombras o estas son muy suaves (la luz de las primeras y últimas horas del día y los días nublados). Produce colores neutros que se pueden contrastar con colores intensos de prendas u objetos. Capturar imágenes en éstas horas del día tiene su grado de dificultad ya que aparte de requerir tripiésolo cuentas con unos minutos en lo que llega (o se va) la luz dura

• Luz dura. Cuando las sombras son intensas y profundas (la luz del mediodía en una jornada soleada). Una luz cenital, calidez intensa que, gracias a sus sombras, crea una profundidad interesante

Por otra parte existen muchas maneras de iluminar artificialmente y es aquídonde el hombre toma el total control de la iluminación, asícomo existen maneras existen medios para hacer la luz maleable:

1. El flash: El medio más eficaz para modelar la luz, ya que túpuedes corregir la intensidad de luz que despide.
2. Focos: Aprovechando la luz continua, el ojo percibe diferente que cuando solo tienes un destello.
3. Difusores: Puedes moldear la luz a tu gusto con los otros medios pero con el difusor puedes impedir que los baños de luz lleguen con una intensidad menor.
4. Filtros: Es el triángulo de la exposición (obturador, ISO y apertura del diafragma) el que nos impide realizar fotos que engañen al ojo humano pero existen filtros para adaptar ese triángulo a nuestros deseos y necesidades.

Es interesante cómo existe belleza en donde no hay luz, ya que un contraste te puede contar una historia con una simple sombra. Y es la sombra la que da volumen y cuerpo, la que puede determinar la cercanía de un objeto o una persona. Se retrata una dualidad que te transmite emociones y como arte en su más pura expresión es la dualidad la que nos proporciona equilibrio y balance en nuestras obras.

Esta implementación de nuevos procesos permiten al ser humano (y no solo con el arte) adaptar los valores de producción que la naturaleza nos ofrece, ya que lo que te brindan los medios artificiales a veces no es lo suficientemente necesario para plasmar lo que sientes, y como entes que nos encontramos en un constante cambio y en una constante búsqueda de personalidad nos es reconfortante encontrar en la fotografía esta variedad de oportunidades visuales para quedarnos con la que más nos retroalimente.

Así que con todo esto, podría decir que cualquiera puede realizar una pieza visual instantánea por medio de la fotografía, pero son éstos elementos los que la convierten en una obra de arte.

Una rama esencialmente necesaria que tenía que emanar del tronco de la fotografía es el fotoperiodismo o fotografía documental. Esta necesidad mundana por retratar las preocupaciones demográficas, culturales, emocionales, pero sobretodo sociales de la vida cotidiana inspiraron a docenas de fotógrafos a salir a capturar imágenes de un mundo que se encontraba en constantes guerras e injusticias sociales.Life magazine fue de las primeras revistas en publicar estas piezas visuales y en 1942 se entregó el primer premio Pulitzer a mejor fotografía de prensa.

La fotografía documental expone las experiencias que tiene la gente en desastres naturales, atentados o eventos importantes que son tendencia en el mundo. Para realizar este tipo de fotografía se requiere el segundo elemento más importante, después de la luz: la aproximación. El fotógrafo necesita de agallas para capturar el momento ideal en la situación, que normalmente, es de peligro. Como lo cuenta “The Bang Bang Club”, una película que da a conocer la vida de Greg Marinovich, Kevin Carter,  Ken Oosterbroek y João Silva que son cuatro fotoperiodistas de la década de los noventa, quienes vivían la transición del Apartheid en Sudáfrica y que a diario salían a buscar conflictos armados entre zulus nacionalistas y miembros del Congreso Nacional Africano de Nelson Mandela. Fue la aproximación e intrusividad que convirtieron a Greg Marinovich en acreedor a un Pulitzer y fue precisamente la manipulación de cuadro que hizo a Kevin Carter acreedor a dicho premio. El fotógrafo en una expedición a Sudán se encontró con una niña exhausta que iba en camino a un centro de repartición de comida, atrás de ella aterrizó un buitre. La fotografía se interpretó en el New York Times como una señal de asecho. Kevin Carter fue criticado por distintos medios por no haber ayudado a la niña a mantenerse en pie, a pesar de que el gobierno alertó a los periodistas de no acercarse a tribus por posibilidad de contagio y dos meses después de recibir el premio Pulitzer se suicidó. En esta fotografía la manipulación jugóun papel básico ya que el buitre se encontraba lejos de la niña, pero Carter utilizóun telefoto, que es un lente de más de 80 mm que hace los elementos encuadrados aparenten estar casi juntos. Estamos hablando de una manipulación técnica que no involucra la dirección de las personas retratadas ni la adición de cualquier otro elemento. Según William Stott el documental tiene que ser un “registro puro”; libre de alteraciones, pero ya que la fotografía es un arte demasiado personal e íntimo es imposible decretar cuando una imagen tuvo una pre-producción y cuando no. Para mi, la manipulación técnica es completamente válida, el autor es capaz de moverse en el espacio libremente para encuadrar lo que más le convenga, pero en el fotoperiodismo, por más que muchos autores, como por ejemplo John Mraz en su artículo “¿Qué tiene la fotografía de documental? Del fotoperiodismo dirigido al digital”, digan lo contrario, la dirección de elementos hace que se convierta en una pieza artística y no informativa.

Al igual que una película, en el primer momento que el director da una orden de gesto o de posición, la otra persona se convierte en actor y la escena es un cuadro producido, en cambio, un documental contiene tomas de una realidad específica el fin último de esa pieza es informar el trabajo de una investigación. En conclusión. No importa que tanto manipules una fotografía, siempre seráarte, lo que importa es el fin último, la intención de esa pieza, y una pieza manipulada no puede considerarse fotografía documental.

Como lo mencione en el segundo diálogo, la sed humana de movimiento fue el motor para que los hermanos Lumiere desarrollaran esta idea en un cinefotógrafo que capturaba 16 cuadros por segundo y al tiempo que la proyectaban, y con 17 metros de película, lograron capturar un minuto de actividades cotidianas…así en 1895 nació “La salida de los obreros de la fábrica”que consistía en 56 segundos de obreros y obreras saliendo de laborar en una fábrica de artículos fotográficos de Francia.

Recordemos que a principios del siglo XX era París la capital de la moda y las artes. El desarrollo mexicano, regido por el general Porfirio Díaz, era completamente influido por Francia; la implementación de vías ferroviarias para el comercio es un ejemplo de ello. El general Díaz tuvo un deseo narcisista por verse en la pantalla grande y en uno de sus viajes a Francia contratóa los hermanos Lumiere para que grabaran su vida y asíproyectar lo que fue la primer película mexicana: El general Porfirio Díaz montando a caballo en Chapultepec. A Porfirio Díaz se le puede atribuir la época de oro del cine mexicano, también a la Primera Guerra Mundial, ya que la mayor parte de la inversión norteamericana iba destinada a la guerra.

Muchos cinefotógrafos americanos talentosos iban a México en busca de trabajo y eran mantenidos con capital mexicano.

En 1940 existió una mancuerna que dominó el séptimo arte y la calidad visual. Emilio el “Indio” Fernández como director y Gabriel Figueroa como fotógrafo cuyas películas promovieron las costumbres y los valores nacionales asociados a la Revolución Mexicana.

La Guerra Civil española trajo a México a un refugiado llamado Luis Buñuel cuyos ideales surrealistas se vieron reflejados en las películas que rodó en México. A su llegada Buñuel pidió trabajar con Figueroa ya que quedó impresionado por su trabajo en La Perla y Enamorada; películas donde Figueroa retrata lo más bello de los pueblos mexicanos, logrando claroscuros vitales para la narrativa de las películas.

Gabriel Figueroa logró tener la batuta en la dirección fotográfica a pesar de que la personalidad de éstos directores no era la más compatible, incluso, se rumoraba que Figueroa le insistióa Fernández retrasar un par de días el rodaje de la película “La Perla” ya que las condiciones climáticas no eran óptimas para lograr la iluminación deseada. Sin duda Gabriel Figueroa fue un emblemático fotógrafo que revolucionó la imagen mexicana y sirvió de ejemplo para la fotografía en blanco y negro.

En Los Ángeles, California la década de los veinte fue una época sobresaliente, visualmente hablando, porque la cámara estaba libre de las trabas del sonido, libre de los obstáculos que implica el relato verbal, los diálogos del argumento. Las películas no eran más que un relato visual. La entrada del sonido marcó una catástrofe para la cinefotografía ya que la cámara quedaba inmóvil dentro de una cabina anti ruido. Se buscaban maneras de volver a liberar la cámara pero no encontraban resultados. Los operadores de las cámaras eran quienes hacían los arreglos y quienes inventaban nuevas plataformas para poder lograr lo que el director quería. A diferencia de lo que sucede en la actualidad, en donde existe un foquista, camarógrafo y un reel, en los años 20 el director de fotografía era quien se encargaba de todas esas tareas.

Una de las películas más significativas de Hollywood fue “Ciudadano Kane”, y no por su historia que es plana y sencilla, sino por la manera de contarnos la historia. Con grandes contrastes, uso de la profundidad campo y el posicionamiento de la cámara en lugares inimaginables (como el suelo), Greg Toland le dio a la narrativa una sazón que nunca se había visto en los estudios americanos y se destacaba no el atrevimiento sino lo que transmitían esas escenas; una cámara en el suelo hacía lucir gigantescos a los actores lo cual en el lenguaje cinematográfico quiere decir que tienen un peso más importante que otros. Las tomas de Toland requerían una interpretación coregráfica por parte de los actores ya que el uso de la profundidad de campo no se componía armónicamente si un actor estaba fuera de posición y por eso mismo algunos actores no le aguantaban el paso.  Es lógico que con tantos elementos la estética se volvía dependiente de muchos factores como el posicionamiento correcto tanto de la luz como de los actores, la coordinación de los extras, el sonido deseado y la ejecución correcta del guión, por lo tanto un factor que era importante tomar en cuenta era la repetición.

En esta nueva era digital es sencillo borrar una escena no deseada y grabar de nuevo pero antes de las cámaras digitales se utilizaba la película y repetir escenas implicaba un gasto mayor en la producción y es por eso que la cinefotografía se debe considerar un arte. Es un sacrificio. La constante repetición de tomas significaba un sacrificio de dinero y de tiempo y más cuando la escena deseada era tomada en el exterior dentro de la “hora mágica”. Éste término es una falacia ya que no son 60 minutos la que la conformaban sino 25 ó30 minutos de luz tenue, por supuesto que en ese mínimo lapso de tiempo muchas cosas pueden salir mal y la repetición se tiene que hacer al día siguiente y esto conlleva a pagar un día extra a los actores, catering, camarógrafos, continuistas, etcétera.

Un artista puede sobresalir si toma en cuenta la repetición para poder transmitir lo que quiere sin que le importe la pérdida de dinero que esto conlleva, pues el fin último de un arte es que el espectador visualice el trabajo que estás haciendo y no los bienes monetarios que la pieza te esté dejando. Un ejemplo claro de esto fue el nivel tan alto de dificultad que se tuvo para grabar la película “The Revenant: El Renacido” ya que:

1. Toda la película está grabada con luz natural y la mayoría de las escenas se grabaron en la hora mágica.
2. En la locación en la que principalmente iban a grabar (Canadá) la nieve se estaba derritiendo, la producción se estaba quedando sin dinero y aun asíel director Alejandro G. Iñárritu insistióa producción que se tenían que transportar a Argentina para continuar con el rodaje.

El artista nunca debe de ser conformista. De entrada, es muy difícil transmitir lo que pasa en el imaginario del individuo, por lo tanto si ni si quiera el individuo consigue lo que quiere, jamás completará el ciclo de transmisión.

A través de la fotografía se está desafiando al ojo humano, se está desafiando a la naturaleza, lo cual es un oficio muy arriesgado pero que puede dejar un excelente sabor de boca si el artista lo ejecuta a la perfección.

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